| | Сообщение #27 | Пн, 23.10.2023, 20:10 | | |
|
Группа: Деми
Сообщений: 298
| Елена Илларионова-Комарова
https://dzen.ru/a/Y2Kc3cpOgxbayXRV?referrer_clid=1500&
про свет и тень
Уверены, что знаете всё о светоразделе?4 ноября 20221K прочиталиВ разных рисовальных школах разделение на свет и тень может иметь разные названия – «большой свет» и «большая тень», "большие отношения" и т.п. Как ни назови, суть в одном: часть формы изображаемых объектов повернута к свету, часть – отвёрнута от света. Разделяет эти две части, соответственно, граница светораздела.Правильно найденная граница светораздела работает на передачу объёма предмета, изображение становится более выразительным. Найденная неправильно – может «разрезать» форму (собственно, это критерий правильности – если вы нашли границу светораздела и она не помогла выявить объём, а «разрезала» объект, вы нашли её неверно).Главное для начинающего художника в том, чтобы ставить натурные постановки (букеты, фрукты, натурщика для портрета и пр.) при боковом освещении, чтобы граница светораздела была явной. А пейзаж желательно писать в такое время дня, когда на выбранных вами домах, деревьях и т.п. часть явно освещена, часть в тени. Безусловно, писать/рисовать можно при разных вариантах освещения, и при фронтальном освещении, и против света. Но если вы ещё учитесь, лучше использовать выразительность границы светораздела.
Но это половина задачи. Нужно ещё найти эту границу правильно. На самом деле не всегда можно легко определить, где, например, плотный полутон, где тень. И вот в этом вам может помочь «правильный взгляд художника». Об этом здесь и здесь. Если смотреть на объекты "мимо", не сфокусировано, боковым зрением, вы увидите, как разделяется тон предмета на явно различающиеся свет и тень.Далее. Вот вы нашли эти две формы – свет и тень. Внутри этих «зон» уже будут нюансы цвета/тона, но: нюансы в свету будут подчинены свету, нюансы в зоне тени будут подчинены тени. То есть не будет в тени пятна, сходного по тону со светом, и не будет в свету пятна, сходного по тону с теневой частью. Самым насыщенном тон со стороны тени будет ближе к границе светораздела!Вот это умение «держать» «большой свет» и «большую тень» должно идти прежде тонкостей градации светотени: бликов, полутонов и рефлексов. Знание градации светотени безусловно необходимо, но сначала нужно "глобально" отделить свет от тени, а потом внутри искать в свету – блик и полутона света, в тени – полутона тени и рефлекс. Это и будет умением видеть и передавать т.н. тональные большие отношения.
Поверьте, этот важный момент также отличает профессионала от любителя.
Дега
|
|
|
| | Сообщение #31 | Пн, 27.11.2023, 15:51 | | |
|
|
Группа: Деми
Сообщений: 298
| https://dzen.ru/a/YlV49ISFUCqT4W9A
Про композу
12 простых правил выгодной композиции в рисунке или фотографии
Чем хороша и плоха симметрия, почему на площадь лучше смотреть сквозь арку и зачем в центре картины человеческий глаз?
Дрю Хоппер
Разместить на холсте даже один объект — уже непростая задача. Сделать его крупнее или мельче? Сдвинуть влево или вправо? Если объектов много, сложность возрастает в разы. Художники и фотографы столетиями экспериментировали и учились друг у друга, чтобы открыть большие правила и маленькие хитрости композиции. Здесь мы собрали те из них, которые, с одной стороны, легки в исполнении, а с другой — эффективно работают на результат.
1. Ведущие линииЕсли вам нужно увести взгляд зрителя в глубь холста, используйте естественные линии объектов, которые уходят далеко в перспективу. Это могут быть берега рек, дороги, мосты, поезда, изгороди, лестницы. Такие линии называются ведущими. Очень часто они ведут взгляд зрителя к каким-то важным фрагментам полотна.
Ведущие линии сходятся на фигуре человека. Стив Маккарри
Ведущие линии не обязательно должны быть прямыми:
Изогнутая линия дороги ведёт к дереву и дальше в туман
2. Симметрия
Художники обычно стремятся избегать симметричных построений, особенно если рисуют естественные объекты. Считается невыгодным и размещение объектов в центре холста. Но иногда эти приемы можно использовать очень удачно — например, когда вы хотите изобразить архитектурный ансамбль.
 В изображении моста используется симметричное построение. Барри О’Кэррол
3. Диагонали
Помните, что диагональные линии и треугольники привносят в композицию динамическое напряжение. Дело в том, что вертикальные и горизонтальные линии стабильны: если человек стоит на горизонтальной плоскости, он не прилагает к этому усилий, и ему незачем куда-то идти. Но поместите его на наклонную плоскость, и стабильность исчезнет — даже для того, чтобы остаться на месте, ему придётся приложить усилие. Так в композиции появляется динамическое напряжение.
Диагональные линии создают эффект движения идущих людей. Стив Маккарри
Диагонали и треугольники придают динамическое напряжение даже совершенно неподвижным объектам вроде зданий. Разместите здание под углом — так, как мы редко видим его в повседневной жизни. От этого само положение наблюдателя будет казаться неустойчивым, и в картине сразу почувствуется
динамика.
Показанное под углом здание выглядит более динамично. Барри О’Кэррол
4. Рама в раме
Используйте в композиции естественные рамы — окна, двери, арки, свисающие ветви деревьев. Это эффективный прием, чтобы придать изображению глубину. Рам на картине может быть несколько:
Окна — это естественные рамы. Стив Маккарри
Излюбленный прием живописи Ренессанса — использование арки в качестве естественного обрамления:
Площадь в обрамлении арки. Барри О’Кэррол
Естественное обрамление может быть разомкнутым или неполным:
Использование ветви дерева в качестве рамы
5. Форма и фон
Создайте контраст между объектом и фоном, на котором он расположен — это придаст композиции глубину. Такой контраст можно создать с помощью глубокой тени:
Фигура балерины на темном фоне. Стив Маккарри
6. Заполнение холста
Чтобы привлечь внимание к объекту, разместите его на переднем плане, ближе к зрителю.
Фигура человека размещена на переднем плане. Стив Маккарри
Если человек на переднем плане смотрит на зрителя, поместите его доминантный глаз в центр холста. Доминантным называется глаз, который всегда смотрит прямо. При этом второй обычно расположен под небольшим углом. Если доминантный глаз будет в центре полотна, у зрителя возникнет ощущение, что взгляд человека на картине следует за ним.
Размещенный по центру глаз всегда смотрит на зрителя. Стив Маккарри
7. Уравновешенные объекты
Основной объект композиции часто сдвигают к краю полотна. Если он при этом выдвинут на первый план, может возникнуть ощущение дисбаланса. Уравновесьте его другим объектом, менее важным или меньшим по размеру, который отвлечет на себя часть внимания.
Эйфелева башня «уравновешивает» фонарь. Барри О’Кэррол
Конечно, в реальности башня гораздо больше по размеру, чем фонарь. Если в работе получается наоборот, это придает ей глубину, позволяет подчеркнуть планы.
8. Негативное пространство
Оставляйте на холсте побольше негативного пространства — так называют «пустое» (не заполненное образами) пространство вокруг объекта. Оно может быть и заполнено, но чем-нибудь нейтральным, например, небом. Это придаст композиции выгодную простоту и направит взгляд зрителя к основному объекту.
Обилие негативного пространства фокусирует внимание на статуе. Барри О’Кэррол
9. Достаточное пространство
Если на полотне есть движущийся объект — корабль, автомобиль, пешеход — позаботьтесь о том, чтобы впереди у него было достаточно пространства для дальнейшего движения. Например, если лодка идёт слева направо, разместите её в левой части холста, а в правой покажите гладь реки, по которой ей предстоит пройти.
У лодки впереди достаточно пространства для дальнейшего движения. Барри О’Кэррол
Это же правило стоит соблюдать, если на холсте изображён человек, взгляд которого направлен в мир кадра или картины (а не в сторону зрителя). Перед его глазами должно быть достаточно пространства, которое он обозревает. Например, сидящий в левой части кадра человек должен смотреть вправо.
Музыкант на левой части кадра развернут направо. Барри О’Кэррол
10. Узоры, текстуры и повторения
Не забывайте, что узоры и повторения эстетически приятны для человеческого глаза — они навевают ощущение гармонии. Узор можно составить из естественных объектов, таких как лепестки цветов или головы людей в толпе. Но самое лучшее — когда повторение неожиданно прерывается.
Зелёная фигура прерывает повторение красных тюрбанов. Стив Маккарри
Узор может вести взгляд зрителя к определенному объекту, становясь ведущий линией:
Узор ведет взгляд зрителя к храму. Барри О’Кэррол
Текстуры нравятся фотографам и художникам потому, что на их выпуклостях выразительно играют свет и тени:
Игра света и тени на текстуре камня также направляет взгляд зрителя. Барри О’Кэррол
11. Нечётное число объектов
Если вы планируете разместить на полотне несколько похожих объектов, пусть их количество будет нечётным — оно считается более естественным и легким для восприятия — в то время как чётное количество объектов рассеивает внимание зрителя и не дает ему сконцентрироваться на каком-то одном.
Нечётное количество арок и людей кажется более естественным. Барри О’Кэррол
Это правило можно и нужно нарушать, в зависимости от темы работы. Например, вы можете изобразить двоих людей за беседой. Внимание зрителя будет постоянно переключаться с одного на другого, отражая таким образом ход воображаемого разговора.
Двое мужчин за беседой. Барри О’Кэррол
12. Правила существуют для того, чтобы их нарушать
Не бойтесь экспериментировать и нарушать правила, создавая композиции по собственным схемам. Иначе из ваших работ исчезнет индивидуальность. У выдающегося экспериментатора — Карлсона, который живёт на крыше — была одна-единственная картина. Она называлась «Очень одинокий петух» и отличалась нестандартной композицией: «На большом, совершенно чистом листе в нижнем углу был нарисован крохотный красный петушок»:
Благодаря этому гениальному композиционному ходу картину знает весь мир.
|
|
|
| | Сообщение #33 | Вс, 24.12.2023, 19:12 | | |
|
|
Группа: Деми
Сообщений: 298
| https://dzen.ru/a/ZNpyl04qhyzE_zse - Искусство народу
Про масло
Бесплатный способ освоить ремесло или тише едешь - дальше будешь16 августа 2023825 прочиталиДрузья, вопрос этот более жизненный, чем кажется. Сейчас огромное количество курсов, марафонов т.д. Но если говорить о живописи/рисунке, есть совершенно проверенное средство, которое неминуемо приведет к конкретным результатам. При чем это относительно бесплатно, нужен только сам материал.Нет волшебной таблетки, и курсы за 3 месяца точно не дадут того, что обещают. Можно освоить навыки, но навыки - еще не умение. Искусство не бухгалтерия. Метод, о котором я говорю - это игра в долгую. Но оно того стоит.
Копия рисунка с Гольбейна, бумага, акварель, уголь, графит. Это - копирование. Да, даже автоматическое, порой бездумное копирование приведет к копированию более сознательному (при условии регулярности), затем появятся навыки - умения - и постепенно количество перейдет в качество. Есть такое убеждение, что копирование - это не творческий процесс. Отнюдь. С одной стороны - нужно смирение, но с другой стороны - только вам решать, каких целей нужно достичь. Вы не обязаны копировать мазок-в-мазок, и все произведение, можно вообще взять только фрагмент.
М. Нестеров. Видение отроку Варфоломею. 1889 г.
Незаконченный вариант картины. Башкирский государственный художественный музей им. М. В. Нестерова. Как видим, Нестеров в этой работе писал "от куска", это огромное мастерство, конечно. Но значит и копировать его можно подобным же образом. Источник фото https://lektsii.org/15-49927.htmlДавайте внимательнее рассмотрим эту тему, а лучше разобьем ее на шаги.Согласно М.М. Девятову, знаменитому советскому художнику и главе кафедры реставрации Академии Репина в Санкт-Петербурге, существуют разные задачи и методы копирования:
1. Коммерческая, репродукционная копия, где основная цель - имитировать поверхность и сюжет памятника без учета его структурных и технических особенностей.
2. Творческая копия, где копирующий художник общается с произведением, извлекая нужные ему живописно-пластические качества, не ставя целью полную идентичность копии.
3. Факсимильное или точное воспроизведение, где все элементы основы, грунта и красочного слоя должны бить максимально близки оригиналу, включая утраты на памятнике. 4. Воссоздание или копия-реконструкция, где вне зависимости от характера и количества утрат, выполняется копия, максимально приближенная к оригиналу без элементов его разрушения.Очевидно, что нам актуален пункт 2. Поэтому делаем первый шаг. Но и пункт 3 тоже полезен, особенно если это фреска.1. Подготовка. Понять, какие навыки хочется освоить.Выбрать автора. Здесь вполне ясная эгоистичная цель - овладеть приемами, навыками любимого художника. Прежде, чем приступить к самой живописи, полезно почитать о нем, его методах. Если он что-то писал - прочитать, это действительно поможет. К примеру, Репин написал "Далекое близкое" - воспоминания о жизни и творчестве, очень интересный и важный труд. Его бесценные советы по работе над живописью мы рассмотрели в этой статье.
А. Н. Блиок. Групповой портрет преподавателей отделения реставрации Академии художеств им. Репина. Слева направо: В. П. Волкова, А. Б. Алёшин, М. М. Девятов, Я. О. Шкандрий, Ю. Г.Бобров. М. М. Девятов - выдающийся художник, глава кафедры реставрации в институте Репина, теоретик технологии живописи.
Просто изучая его пособия можно самостоятельно освоить ценнейшие навыки. Источник фото https://vk.com/wall-119974156_73382.
Выбор произведения. Если это первая/вторая копия в жизни - лучше взять что-то небольшое и понятное. Результат точно будет, и его важно закрепить и отметить - пусть копия висит на стене как знак очередного пройденного пика). Если это вообще первая копийная живопись, например портрет - подойдет Венецианов. Он далеко не так прост, но техника понятная и есть хорошие репродукции. Пейзаж а-ля прима - Юон, Грабарь. Если с подложкой - Саврасов. Но это все приблизительно, конечно. Все зависит от конкретных задач.
 Этюд М.В. Нестерова"Юность Сергия".
Казалось бы - просто голова, но сколько в ней тонкостей, сколько информации в руке, добросовестно скопировав такой этюд можно сразу "подпрыгнуть" на новый уровень, причем это, как правило, происходит автоматически. Источник фото: https://www.culture.ru/materia....=true3.
Подготовка холста.
Здесь пригодится знание того, как писал копируемый автор. Лучше этот этап не пропускать, объясню почему: фактура холста играет огромную роль, если взять крупное зерно для копии с Вильяма Бугро - ничего не выйдет. Он писал на гладком холсте. Фешин любил тянущий грунт и это придавало матовость красочному слою. Так что нюансы имеют значение.
М.М. Девятов. Женский портрет.
Вообще, женским образам отдана большая часть творчества художника, полистайте карусель - они прекрасны, тонкие, изящные, очень живые. Живопись без "эстетства", очень заразительная. Источник фото https://stylishbag.ru/4-foto.....html4.
Перевод рисунка. При переводе рисунка есть 3 варианта:
1. Сделать черно-белую копию и перевести с помощью угля (обратная сторона бумаги покрывается углем, лист накладывается на холст и проводится контур по рисунку, т.о. он отпечатывается на холсте).
2. Либо перевести "по клеточкам". В этом видео и статье подробно показано, как разделить любой формат по клеткам. Если выбирается этот способ, то делим ч/б копию и холст способом из видео. Затем от руки переносим рисунок соответственно каждой клетке.
3. Легко, но точно и внимательно намечаем рисунок сразу на холсте. Делаем фото, в фотошопе накладываем на него верхним слоем копию - слой копии делаем полупрозрачным. Т.о. видны все погрешности, где четкое попадание, где ошибки. Исправляем, доводим до идеала).
4. Метод визирования. Если у вас ч/б копия в размер холста - то рисунок переносится с буквальным измерением пропорций, расстояний с использованием карандаша как линейки.
 
 Графика М.М. Девятова.
Кстати, все то же самое справедливо и для копирования рисунка. Только здесь по клеткам имеет смысл переводить, если копируется композиция. Для портрета вообще лучше начинать от наброска и использовать метод визирования. Источник фото Источник фото https://stylishbag.ru/4-foto....to.html
5. Процесс работы.
Друзья, наконец, приступив к работе важно поделить ее на этапы. Желательно не подгонять себя, но дать некоторое ограничение по времени. А еще завести дневник копирования.Эта бесценная книжка с мыслями по поводу живописи, Вашими действиями поможет сделать процесс более осмысленным. Вот выдержки из некоторых дневников студентов, работавших в 1970-хх гг. под руководством М.М. Девятова."9 июля.Вчера голова была в тоне и по цвету нормально, а сегодня опять села. Возможно потому, что когда писал, то краску разжижал маслом, а надо было писать пастозно." Подробнее расскажу, почему так произошло тут, иначе выйдем за формат
статьи.
Живопись М.М. Девятова - этап.
Здесь наглядно видно как работал художник, как взяты черные - они не одинаковые, у холста теплая прозрачная подложка. Источник фото Источник фото https://stylishbag.ru/4-foto....to.html
Бурин Л. Н. в своем дневнике отметил:"12 июня. У М. Нестерова предельно точный рисунок. Рисую ретушью и углем на бумаге под композицию в листе и общие соотношения фигуры, массы воды, дальнего леса и берега на переднем плане.13 июня. Перевожу на холст рисунок, и непосредственно перед картиной уточняю рисунок вплоть до деталей. Больших погрешностей не замечаю.14 июня. Продолжаю рисовать и уточнять рисунок. На темных местах (на фигуре) покрываю углем (плашмя). Закрепляю уголь ретушным лаком и маслом. (Ред. - Подчеркнуто и отмечено Девятовым: «-»)". Масло тут лишнее. Девтяов советовал французский ретушный лак Вибера, фирмы Лефран для фиксирования рисунка.
Репин начинает портрет. Начало с густых теней, свободное рисование - значит, так и надо его копировать. Если перевести рисунок по копирке и просто раскрасить - опустятся важнейшие этапы в работе и польза, которую можно было бы извлечь из копирования будет минимальна. Источник фото https://krasivoe-foto.ru/photo/илья-репин-фото-художника/
Привожу эти выдержки для понимания принципа ведения такого дневника. Его можно вести не только для копирования. Он помогает фиксировать прогресс, выявлять и исправлять характерные ошибки (а они чаще всего повторяющиеся: кто-то делает короткий нос, кто-то чернит в тенях), записывать интересные смеси красок, методы работы и т.д.
Копировать можно и этюды, короткие зарисовки, наброски, учебные постановки - причем здесь можно позволить себе больше свободы. Это ни к чему не обязывает, даже которкий этюд на 30 минут может принести огромную пользу. Этюды и наброски Михаила Девятова. Источник фото https://stylishbag.ru/4-foto....to.html
6. Завершение работы, выводы.Самый важный этап. Потому что ради него все и затевалось). Важно получить конкретный результат и сделать выводы. А выводы нужны, чтобы задать дальнейший вектор развития.Вот отличный пример из дневника студента: " Итоги работы над копией. Очень рад, что познакомился и столько времени изучал метод работы «от куска», которым мастерски владел Нестеров, а также столько времени провел наедине с большим произведением искусства... научился упорядочивать свою палитру, понял значение колеров для живописи, а также огромное значение межслойной обработки без которой невозможна настоящая живопись, и которой раньше не очень-то, мягко говоря, увлекался. Очень многое понял из «кухни живописи», что надеюсь использовать в дальнейшей работе.Конечно, жалко, что многое, что нужно было знать гораздо раньше, узнал только сейчас. Что ж, лучше поздно, чем никогда."
Изучение техники рисунка органично поможет развить свои навыки во владении разными материалами. Перед нами т.н. живописный рисунок соусами. Он так же может быть выполнен углем и пастелью, любыми сухими материалами. Этот метод особенно подходит тем, кому рисунок сам по себе дается с трудом - возможно, дело в интересе: скучно работать одним материалом. Тогда эта хитрость очень даже оправдана). Источник фото Источник фото https://stylishbag.ru/4-foto....to.html
Результат от копирования есть всегда.
Он может быть удачным и не очень - не важно. В любом случае, проделанная работа отложится моторной памятью в руках, чувственно-эмоциональной памятью в глазах.
А это создает предпосылки к раскрытию индивидуальных живописных способностей. Вы не обретете их ни за какие деньги - это результат Вашего труда. Любой художник, с базой или без может очень серьезно продвинуться таким образом. А при одновременной работе с натуры - освоить профессиональные навыки. Живописец может неудачно скопировать Серова, но понять, что ему ближе Матисс, например. Значит ему нужно двигаться в этом направлении.Копирование с учетом всех вышеописанных этапов позволяет избежать т.н. самодеятельности, а значит навыки, которые обретет художник перерастут в фундаментальные знания. И это бесплатно).
|
|
|
